¿ QUIEN ES EL MATT SIBER?

Es un artista visual norteamericano que juega con las imágenes, la semántica, marcas y elementos gráficos que nos rodean día a día. Matt Siber es un artista radicado en Chicago que trabaja en la fotografía y la imagen digital. Nació en Chicago en 1972. Es licenciado en Geografía e Historia por la universidad de Vermont en Burlington VT. Posee un master de arte en fotografía del Columbia College Chicago, sus fotografías forman parte de la colección permanente del Art Institut of Chicago del Museum of Contemporary Photography de Chicago. Sus trabajos han aparecido en publicaciones como Flash Art International y Aperture. Da clases en la facultat de Columbia en las especialidades de fotografía e imagen digital. El fotógrafo Matt Siber es un ejemplo de ello, quien eliminando los soportes que aguantan los enormes postes publicitarios en EEUU, dejándolos en el aire, consigue evidenciar su onmipresencia con una llamada de atención al espectador .

¿QUE SON LAS IMPRESORAS 3D?

Una impresora 3D es un dispositivo capaz de generar un objeto sólido tridimensional mediante (y ahí radica la principal diferencia con los sistemas de producción tradicionales) la adición de material. Los métodos de producción tradicionales son sustractivos, es decir, generan formas a partir de la eliminación de exceso de material. Las impresoras 3D se basan en modelos 3D para definir qué se va a imprimir. Un modelo no es si no la representación digital de lo que vamos a imprimir mediante algún software de modelado. Por dar un ejemplo de lo anterior, con una impresora 3D podríamos generar una cuchara, o cualquier otro objeto que podamos imaginar, usando tan solo la cantidad estrictamente necesaria de material, y para hacerlo deberemos tener la representación del objeto en un formato de modelo 3D reconocible para la impresora. Los materiales que actualmente pueden utilizarse para ‘imprimir’ son variados y lo cierto es que influyen bastante en el coste de la impresora. Cualquier impresora de bajo coste suele funcionar con termoplásticos como el PLA o ABS. Pero nos encontramos impresoras capaces de trabajar con metal, fotopolímeros o resina líquida, aunque resultan prohibitivas para entornos no industriales. ¿Y qué usos puede tener una impresora 3D y en qué campos?. La lista es larga y es difícil describirlos todos: desde piezas de instrumental médico o incluso implantes, pasando por sus aplicaciones en la arquitectura, donde puede pensarse en imprimir objetos e incluso estructuras, aplicaciones aeroespaciales, educación, y por supuesto el uso doméstico y profesional que abre múltiples opciones y se presenta como el futuro de la tecnología NOTICIAS DE LA IMPRESORA DE 3D: Cartuchos de células, impresoras de órganos foto de la noticia La biorreprografía en 3D se presenta como una opción de futuro de la medicina regenerativa CET

¿QUE ES EL PIXEL ART?

El pixel art es básicamente el puntillismo digital, es decir, es un arte creado desde cualquier hardware (Computadora, Consola, Teléfono Móvil, etc) que pueda usar un programa de edición de graficos en mapa de bits donde es editada a nivel de pixeles. El pixel art se ha usado desde hace mucho tiempo sobretodo en el área de vídeojuegos y simbología gráfica. En sí todas las imágenes estan compuestas por pixeles. A mayor cantidad de estos, mayor la nitidez y resolución de la imágen. Uno de los ejemplos más notables es en el mundo de los videojuegos. En la actualidad se sigue usando de manera comercial para la creación de vídeojuegos, iconos para aplicaciones, websites, teléfonos móviles y muchos otros. De manera no comercial se siguen utilizando para el desarrollo de vídeo juegos independientes, iconografías para aplicaciones entre otras, también se usa para la creación de piezas visuales en eventos y shows relacionados con la cultura chip. Otros artistas que utilizan el pixel art como lienzo y crean increíbles obras de arte con infinita cantidad de detalles y por encima de los 64 colores. La intención y objetivo del pixel art son en parte similares a las del minimalismo. Ambos tratan de representar algo en su mas mínima y simple forma, dando paso a una amplia gama de interpretaciones, ya que requiere también la intervención del espectador (imaginación), lo cual enriquece a la obra con el aporte que se le pueda otorgar. Básicamente, existen dos tipos de pixel art: el isométrico, que otorga profundidad a las escenas y se emplea sobre todo en representaciones de paisajes o ciudades, y el “plano”, que muestra los objetos de frente y sin profundidad. Pixel Art - Isométrico vs frontalLa razón de emplear uno u otro tendrá que ver con el tipo de ilustración que queramos crear. Si se trata de los gráficos de un videojuego, normalmente se empleará el modo isométrico para otorgar la mencionada profundidad a las escenas y obtener una falsa sensación de tridimensionalidad simulada con gráficos

¿QUE ES EL NET - ART?

Concepto de Net.Art: definición y características. El net.art se aleja de parámetros tradicionalmente atribuidos al arte objetual. Cuando hablamos de net.art cobran valor conceptos como CONEXIÓN y CONECTIVIDAD. Conectividad entendida como la facultad de estar en línea, de estar en red. No existe net.art fuera de Internet, no podemos contemplar/interactuar con una obra si no estamos conectados. Otro aspecto que constituye un elemento diferencial de este arte virtual frente al tradicional es el concepto de conexión. Este es, a su vez, una característica propia de este nuevo medio. En Internet debemos hablar del valor añadido que constituye el intercambio de información, por encima incluso del contenido de la misma, al contrario de lo que pasa con los tradicionales medios de comunicación (tv, radio…) Y esto es posible gracias a la conexión de los diferentes autores/espectadores/internautas a través de la red. Hasta la llegada de Internet sólo podíamos hablar de agrupación, en la que existía un único emisor y múltiples receptores de información. Con la conexión asistimos a la democratización de los roles y a la alteración del concepto espacio-temporal. Cualquiera puede ser emisor y receptor, el intercambio de información puede darse en cualquier momento y en cualquier sitio porque gracias a Internet la distancia geográfica no es inconveniente. El net.art se mueve en un nuevo espacio de comunicación condicionado por 3 ejes: la creatividad del artista, la evolución de un proceso tecnológico y la reacción del espectador. Retos creativos del nuevo arte: renovación del imaginario, diseño del interfaz universal, construcción de nuevas metáforas. Es decir, interdisciplinidad. Entre las consecuencias de las manifestaciones artísticas actuales encontramos: una nueva idea de obra de arte, de la idea de artista y de la idea de espectador. El net.art es interactivo, multimedia e hipermedia, es activista, iconoclasta, la programación es fundamental, es participativo y se dirige a comunidades virtuales. Las diferencias fundamentales: el net.art reflexiona sobre la vida.

¿QUE ES EL LAND ART?

El Land Art es una corriente artística contemporána que usa los paisajes y elementos de la naturaleza como escenarios y medios para realizar una obra de arte. Nació en la década de los 70's, y tiene como fin recordar la naturaleza que no sólo estamos olvidando, sino también maltratando. El principio más importante del Land Art es intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningun momento quiere ni busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico. Estas obras son realizadas en lugares muy remotos, lejos de la mirada de los espectadores, y son de tamaño monumental. Sin embargo, la mayoría del Land Art es efímero, y desaparece con el paso del tiempo, ya que fenómenos como la erosión, la lluvia, las mareas van desgastando los materiales hasta demolerse por completo. Es muy dificil poder llegar a observar el Land Art en vivo y en directo, ya que sus obras quedan completamente fuera del circuito comercial y sólo llegan a ser conocidas por medio de registros como las fotografía, videos o dibujos que se exponen en museos y galerías, o que pueden ser compradas por coleccionistas. CARASTERISTICAS DE EL LAND ART: El propósito fundamental de alterar en sentido estético y artístico el paisaje La obra de arte siempre posee una apariencia final que es juzgada como híbrido entre escultura-arquitectura en el paisaje. En las realizaciones el paisaje es referido como un nuevo espacio contemporáneo con dimensión artística. Las obras de Land Art constituyen crítica y cuestionamiento al comportamiento artístico, alejando sus producciones de las tradicionales sendas de la comercialización e exhibición tradicional de los objetos artísticos (cuadros, esculturas, etc.)

¿QUE ES EL BODY-ART?

El Body Art o Arte Corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia en Europa en los años 1960 y, en especial, en Estados Unidos. Se trabaja con el cuerpo como material plástico, al que se lo pinta, calca, ensucia, tatúa, cubre. El cuerpo se transforma en el lienzo o en el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior. Dentro de la categoría general de Body Art, podemos definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel y es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza. Probablemente el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenecía a su grupo y situarse en relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convertía en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sencillamente servían de ornamento. La pintura corporal reaparece en Occidente a fines del siglo XX. Arte transitorio, el pintor crea un diseño sobre su modelo. Se le consagran varios festivales, entre ellos el de Seeboden en Austria, el World Bodypainting Festival en Bruselas, y en Bélgica el Festival Internacional de la película fantástica, The International Body Painting Contest. Práctica moderna de la pintura corporal: La pintura corporal hoy, conocida como Body Art, es practicada en las sociedades occidentales con otros objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan. La temática de la pintura corporal es sumamente variada. Dentro de los temas preferidos podemos mencionar los animales: felinos en la mayoría de los casos. También serpientes y arañas se integran a figuras decorativas muchas veces abstractas. Otro de los temas preferido por los artistas es el fantástico: criaturas multicolores, proporcionadas de alas, antenas, garras recorren los festivales alrededor del mundo. Se encuentran también el camuflaje: el cuerpo se integra a su medio ambiente, árboles, papel o paredes decrépitas. En muchos países la pintura corporal se utiliza durante los festejos del carnaval. Performance: antecedentes Si bien fue en los 60´s y 70´s el auge de este tipo de expresiones fuertemente corporales, presenciales, experimentales, activistas, hubo un largo recorrido anterior, un fluir, entre el ritual y el entretenimiento, entre la eficacia y el espectáculo, desde el nacimiento de la cultura. Pero entre los historiadores del arte, hay cierto acuerdo en reconocer el nacimiento de la performance art de mano de los Futuristas italianos durante los convulsionados primeros años del siglo XX. También Tristan Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire realizaron acciones similares. A fines de los años 30, Antonin Artaud tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con El teatro y su doble, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad, del gesto y de la improvisación.

¿ QUE ES EL OP-ART?

El Op Art utiliza fenómenos ópticos para producir imágenes pictóricas abstractas. Este tipo de arte crea sensaciones de movimiento en superficies bidimensionales. El arte óptico surge como una variación o interpretación de la abstracción geométrica y se vale de principios científicos y estructuras repetitivas para crear ciertos efectos en el espectador quien en algunos casos puede cambiar la configuración de la propia obra. Esta tendencia en el arte busca crear en el espectador una sensación de movimiento, gracias a efectos ópticos que desencadenan en el observador una respuesta visual y psicológica ante la sensación percibida. Este tipo de arte es de tipo técnico y en muchas ocasiones impersonal. El artista de Op Art, utiliza la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; empleando cierto tipo ilusiones ópticas como el efecto Rubin, que permite descubrir formas convexas a partir de figuras que comparten sus contornos; así como también el efecto moaré, propio de la industria de la impresión, que es producido por la incorrecta intersección de líneas de puntos, círculos concéntricos o líneas junto a otras ilusiones como perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión. Aunque el nacimiento de arte óptico como movimiento artístico data de finales de la década del 50, solo hasta mediados de los 60s se conformo como una tendencia formal, luego que el museo de arte moderno de New York (MoMa), organizara una exposición con el nombre de The Responsive Eye en 1965. En esta muestra los principales artistas de este nuevo tipo de arte dieron forma al nuevo estilo. Los principales iniciadores de esta tendencia fueron: Víctor Vasarely, Bridget Riley, Frank Stella, Josef Albers, Lawrence Poons, Kenneth Noland y Richard Anuszkiewicz.